Zero & Tigres - Heavy Rock Al Rojo! (1988 - Claxon)

El pasado miércoles, el maestro Carlos Tizón nos deleitaba en su Motel Bourbon con una nueva entrada en la que recordaba un “split” firmado por dos bandas punks alemanas.

Hacía años que no escuchaba la palabreja, que como sabéis denomina a los discos (single, maxi o LP) compartidos por dos bandas que tienen algo en común, léase discográfica, género musical, miembros, etc., y que les permitía, sobre todo, ahorrar gastos y darse a conocer.

En un rápido repaso mental, la primera imagen que me vino al perolo fue la portada con la ilustración de Martín J. Louis en la que se ve al autor de la perestroika, Mijaíl Gorbachov, enfundado en chaleco de cuero tocando una "guitarra comunista". 

Heavy Rock al Rojo! es un disco firmado a pachas por dos grupos míticos del heavy barcelonés, Zero y Tigres, que en este caso compartían, a parte de ciudad y género musical, manager. Producido por Vicente Romero y Dave Holland fue grabado en los Estudios Mediterráneo de Ibiza, como no, ¿con quién?, pues sí, lo habéis adivinado, con el omnipresente Dennis Herman.

Como ambas bandas ya han pasado por estos barrios y os imagináis la caña que reparten, a mi entender con más potencia y calidad Tigres que sus compañeros, os dejo con los vídeos del álbum completo y no os entretengo más. Si lo tenéis, disfrutad de esta joyita y si es que no, a pillarlo en el formato y por el conducto que creáis oportuno ya que es un álbum 100% recomendable.

Buen finde. Sed felices.

Banzai - Banzai (1983 - Hispavox)

Los dos únicos álbumes de estudio de Banzai, la banda de rock fundada por el reputado guitarrista madrileño Salvador Domínguez, uno  de los guitarristas más grandes que ha parido este país, metido en mil y un proyectos musicales, fueron “Banzai” y “Duro y Potente”.  Aunque ambos discos sólo se llevan un año de diferencia son totalmente distintos debido a  los cambios en la formación producidos dentro de la banda tras la publicación del primero. Por eso mismo es muy precipitado asegurar que uno es mejor que otro, simplemente tienen un sonido distinto: uno es un disco que transita entre el rock duro y el rock urbano que caracterizaba gran parte del rock español de la época, y el otro es, simple y llanamente, puro y duro heavy metal del bueno.

Barón Rojo – Invulnerable & Herencia Letal (single obsequio / 1983 – Chapa)

El 16 de mayo de 1983 salía al mercado uno de los mejores álbumes de heavy español y sin duda el de mejor sonido: “Metalmorfosis” de Barón Rojo. Cuarenta y ocho horas después de ponerlo en venta, Chapa distribuía una nota de prensa informando que ya se habían vendido 50.000 copias, convirtiéndolo, en tan poco tiempo, en Disco de Oro. Los Barones volaban muy, muy, pero que muy alto.

Alcaudón – Alcaudón (1986 – Bangla Desh)

 Alcaudón es otro de los grupos surgidos de la inagotable cantera de los barrios madrileños de los años ochenta, en concreto de Aluche -en el por cierto viví unos años- y que obtuvieron el impulso necesario para incorporarse al mercado musical ganando el Villa. Su sello personal un hard rock melódico poco habitual para la época.

En el año 1984, cuatro adolescentes que pasan el tiempo entre los estudios, incluidos los de música, y los ensayos en el local, ganan la categoría de Rock Duro de la séptima edición del Trofeo Villa de Madrid, cuya final se celebra el 15 de junio de 1984 en campo de fútbol del Moscardó, en el barrio de Usera, quedando por delante de las bandas Criba y Ático. En la categoría de Pop-Rock gana otro grupazo: La Frontera, corriendo el fin de fiesta a cargo de Damned, cuya mítica actuación muchos aún no han olvidado.

 El premio: un vídeo clip, un disco compartido con los otros dos finalistas en el que aportan tres temas: “No es tarde”, “La noche de las Valkirias” y “El vuelo del alcaudón”, una placa y algo de pasta.

La banda son Juan Antonio García (guitarra), Miguel Lozano (bajo), Miguel Ángel Pérez (batería) y Miguel Ángel Vela (voz).

Con esas pelas y las ahorradas en las galas realizadas durante algo más de un año, en noviembre del 85 consiguen grabar por su cuenta en los estudios Circus de Madrid cuatro temas de los cinco que contiene este mini LP: “Éxito de R&R”, sin duda el más destacados de todos, “Un día especial”, “La caída” y “Sombras”;  y comienzan la difícil tarea de buscar sello discográfico. Los de Discos Bangla Desh se fijan en ellos una noche en el Canci y deciden editar el mini LP.

Tras incorporar a Juan Miguel Rodríguez a los teclados, en marzo del 86 regraban “No es tarde” en los estudios Quarzo de Madrid, cerrando así el disco. La producción corrió a cargo de Juan Luis y Fernando de los Obús que apoyaron el proyecto desde un principio.

El resultado cinco temas, compuestos principalmente por Juan Antonio participando el resto de la banda en las letras, de un corte roquero melódico, sofisticado y muy cuidado, ejecutados por músicos de gran nivel, que, en su momento, fueron comparados con Alcatrazz, y que en nuestro país rivalizaban con bandas como Niagara, Hiroshima o Tokio.

Un año más tarde, sale al mercado su primer y último LP al que llaman “Homenaje pp”, un disco que se desmarca del sonido roquero que les había caracterizado hasta la fecha optando por sonidos más cercados al jazz y que no tuvo la repercusión esperada. En 1989 la banda realiza sus últimos conciertos y deciden separarse, continuando todos en otras bandas como Años Luz o Cuatro Gatos. Os dejo enlace a la web y al canal youtube de Juan Antonio García de Vals donde tenéis más información sobre la banda y donde podréis escuchar y descargar parte de los temas.

Desearos un buen finde y que paséis unas buenas vacaciones de Semana Santa, con la recomendación, si aún no tenéis elegido lugar de destino, que visitéis mi querida Cuenca. En todo caso, sed felices.

Temas

cara uno:
1.- Éxito de Rock 'n' Roll
2.- Un día especial
3.- No es tarde

cara dos:
4.- La caída
5.- Sombras

Sable – Símbolos de Rebelión (1988 - SonoDisc)

A finales de mayo de 1988 entraba por la puerta de un cuartel para hacer la mili. Antes de que me raparan las greñas, un autobús lleno de roqueros conquenses, el domingo 22 de mayo, nos encaminamos al Foro, para ver el espectáculo de la gira “Ram it down” de los Judas Priest, en el rockodromo de la Casa de Campo.

Ángeles del Infierno – Diabolicca (1985 – WEA)

Tras un par de entradas con bandas de corto recorrido, hoy le toca a una que todo lo contrario. Grupo que, viviendo con todo merecimiento de las rentas musicales ochenteras, pero ¡qué rentas!, aún siguen dando caña girando por USA, Latinoamérica, especialmente por México, y que, de vez en cuando, también se dejan caer por aquí.

Ángeles del Infierno, son por méritos propios una de las bandas de rock más importantes e influyentes de nuestro país, y, a mi entender, la que más en la escena puramente metálica. Nadie como ellos fueron capaces de dar al heavy español la potencia, agresividad, estética y oscuridad que al sonido de la bestia se le supone, cualidades que ya empezaban a escasear a mediados de los 80.

Si fácil es traer aquí a los Ángeles, más complicado es decidirse por uno de sus dos primeros y mejores trabajos. El impresionante álbum de debut “Pacto con el Diablo”, todo un diamante en bruto que parecía que iba a eclipsar a cualquier trabajo posterior y de hecho así fue en el sentido de que “Diabolicca”, más pulido y más disfrutado por la banda, no lo supera pero tampoco lo desmerece ni un ápice, encontándose, por lo que a mi respecta, al mismo nivel.

De hecho la ingeniería en ambos es perfecta -Brad Davis y Dennis Herman en los Mediterráneo Estudios de Ibiza- orientada a conseguir un sonido potente y contundente. En ambos, participó en el diseño gráfico Rufino Vigil. De un disco a otro, se mantuvo la misma producción por parte de Claxon para WEA y la misma formación, capitaneada por Juan Gallardo y Robert Álvarez. Ya veis, que suerte haberse juntado dos tipos con tan buena voz y tan buena mano, respectivamente, ambos con un inagotable calidad compositiva. Completaban el quinteto de Lasarte, Manu García también a la guitarra, Santi Rubio al bajo (fundador de la banda junto a Robert) y José Sánchez a la batería.

Los dos vinilos guardan himnos imperecederos, léase “Pacto con el Diablo” o “Fuera de la Ley”, inolvidables y elegantes baladas como “Sombras en la oscuridad” o “Al otro lado del silencio”, o temas potentes y directos como “Rocker” o “Con las botas puestas”, melodías perfectas como “Sangre” o “Prisionero” (mi preferida), y junto a ellos un puñado de buenas composiciones construidas a base de autenticidad y sin ningún tipo de artificio. Puro y duro heavy metal.

Puestos a elegir, este viernes me quedo con “Diabolicca”, pero cierro ahora mismo la entrada no vaya a ser que cambie de opinión.

Buen finde. Sed felices.

Temas

Cara A:
01. Fuera de la Ley
02. Con las botas puestas
03. Dame amor
04. Junkie
05. Al otro lado del silencio

Cara B:
06. Héroes del poder
07. Vivo o muerto
08. Prisionero
09. No pares
10. Diabolicca

Marshall Monroe – Lujo y Pasión (1987 – Avispa)

Hoy os recomiendo otro de esos discos a los que les tengo un aprecio especial. En primer lugar porque es todo un señor disco, el único de un excelente grupo español, y por último, y no por ello menos importante, porque tras años de búsqueda, escuchándolo mientras tanto en una vieja cassette negra y amarilla marca basf de 60, por fin logré pillarlo en vinilo para su disfrute. Todo un logro personal.

Marshall Monroe, nombre originado de la combinación de la marca de amplificadores Marshall y del apellido Monroe (de la Marilyn, por supuesto), fue una banda madrileña en la onda del AOR americano, cuyo primer reconocimiento importante fue el de quedar segundos nada menos que en el apartado de Rock Duro del “Villa”. En concreto en su edición de 1986, quedando por detrás de Polvo Blanco y por delante de Shazan. Ser finalistas les permitió grabar un single con dos temas: “No te detengas” y “Solo tu me haces sentir”.

Tras varios conciertos, cambios en la formación y la imposibilidad de fichar por una discográfica, la propia banda, confiada de sus posibilidades, junto con la aportación de Luis Calleja, financia la grabación de nueve temas. Así, en agosto de 1987, Juanjo Melero a la guitarra, Jorge Fontecha a la voz, Luis J. Perona al bajo, Carlos Abad a los teclados y José Manuel Fernández a la batería –fundador del grupo junto con Benjamín Albiñana, que lo había abandonado un año atrás-, se encierran en los estudios Kiros de Madrid para grabar: “Lujo y Pasión”.

Finalmente es Avispa quienes sin mucho interés, les comercializa el disco. Con total carencia de promoción, la ventas del disco, como es de imaginar, son escasas. Una lástima.

Hard rock melódico con cardados, mallas ajustadas, guitarras, teclados, estribillos pegadizos, coros por doquier y letras con único mensaje: amor ¿o sexo? Sólo el tema “Hiroshima” con su intro instrumental “B-29” rompe la pauta. Recordad que aún estaba fresca la celebración del referéndum sobre la permanencia de España en la OTAN y el tema del pacifismo estaba de moda.

Otro de los alicientes del álbum son sus colaboraciones.  La guitarra de Jero Ramiro y la voz de Miguel Oñate suenan en “Solo tu me haces sentir”, sin duda uno de los mejores temas del disco. Pepe Moreno se marca un solo de saxo en otro de los temas destacables, la balada “Siempre en mi”. Completan el póker de ases: “Voy por ti”, “Amor en la noche” y la propia “Hiroshima”.

Resulta curioso que pese a tener dos temas más: “No te detengas” que se publicó en el single del Villa de Madrid, y “Lujo y Pasión”, que da título al álbum, no fueran incluidos en el mismo.

La salida de Juanjo Melero, excelente músico y compositor, para ir a Sangre Azul supone un palo para el grupo, el principio del fin. A pesar de que ya tenían grabada un maqueta para un segundo álbum con tres temas cantados en inglés: "Radio", "All tonight" y "Hunter" (temas incluidos en la reedición de “Lujo y Pasión” realizada en el 2008 por Leyenda Records, con material adicional), lo que indicaba ganas de continuidad y un cambio de rumbo en el sonido de la banda con la posibilidad de  internacionalización, en 1989 deciden separarse como Marshall Monroe y con los restos desarrollar un nuevo proyecto: Danger.

El disco está dedicado por la banda a la memoria de Jorge M. Garcia Barona (1961-87), es de justicia mencionar este detalle.

Amig@s un disco 100% recomendable para animar los fríos fines de semana de invierno como el que nos espera. Sed felices.

Temas

Cara A:
1. Voy por ti
2. Solo amor
3. Amor en la noche
4. Solo tu me haces sentir

Cara B:
5. Por ti, por mi
6. B -29
7. Hiroshima
8. Siempre en mi
9. No habrá final

Voy a por ti

Solo amor

Amor en la noche

Solo tu me haces sentir

Por ti, por mi

B-92 + Hiroshima

Siempre en mi

No habrá final



Los programas musicales de los 80

 

 

No sé dónde lei el otro día que “cada minuto, se suben a youtube 60 horas de vídeo”. Seguro que un buen tanto por ciento de esas horas son contenidos musicales, y eso, por nuestra parte, es de agradecer. Esta plataforma sirve para mostrar a la generación inmediata las producciones de artistas y grupos consagrados, las de ya caducos, o las de nuevos talentos,  que buscan un minuto de gloria y de los que no voy a poner ejemplos. Otra historia es la calidad. Parafraseando a Voltaire, “si no existiera youtube habría que inventarlo”, así lo pienso como consumidor al encontrar un filón para ver y escuchar música, y así debe pensarlo la industria musical que ha encontrado una forma de promoción y obtención de nuevos ingresos.

Pero de entre todas las posibilidades que ofrece este monstruo audiovisual, hoy me quedo con la de poder volver a disfrutar de aquellos programas musicales de los ochenta con los que poníamos caras, imagen y sonido a los artistas y grupos, y por donde pasaba la crème de la crème del negocio musical.

Goliath – Goliath (1985 – Chapa)

 

Tanto el vinilo como la formación de hoy, comparten la misma historia que varias que ya han pasado -no será la última- por este barrio: banda heavy de los ochenta que se forma, sacan un buen disco al mercado, gira, problemas internos y de promoción, disolución e integración de sus miembros -hoy curtidos en mil batallas- en otros o en nuevos grupos. Un corto pero intenso recorrido.

Tras diversos cambios, Goliath, nombre anglosajón que hace referencia al gigante bíblico (en castellano Goliat), se consolida con Javier Ponce (guitarra), Ángel Arias (bajo) -ambos fundadores de la banda-, Luis Pulido (cantante), Alberto Hernando (batería), Enrique Beltrán (guitarra) y José Barta (teclados). El sexteto madrileño empieza a rodar y su sonido gusta a pesar de su juventud e inexperiencia. Conocidos de Carlos de Castro, Javier incluso trabaja con los Barones, le pasan una maqueta y éste la presenta a Chapa. En octubre de 1984, Goliath graba en los estudios Sonoland del foro, su primer y único legado.

 

Pese al irregular sonido de grabación, de inicio a fin estamos ante un disco de heavy español de toda la vida, que no pierde intensidad en ningún momento y en el que se mezclan las buenas ideas y la frescura de una nueva banda, con la potencia y agresividad, que se presume al metal, sin que ello suponga pérdida de calidad en ninguno de sus temas. Destacar “Drácula”, la balada “Música” y sobre todo “La fuerza del rock”, versionado años más tarde por Lujuria.

La estética y nuevos sonidos metálicos que venían principalmente de los States estaban calando y el heavy nacional necesitaba de nuevas caras ya que empezaban a decaer las ventas. Por ello la discográfica quiere lanzar nuevas propuestas, sangre fresca, y los promocionó en un primer momento. Radio, televisión (al menos en Tocata) y gira con Barón Rojo, junto a Santa y Tritón, incluida actuación ante 200.000 almas jevis, en el mítico concierto del 14 de mayo de 1985 (fiestas de San Isidro de Madrid) en el Paseo de Camoens, del que ya hemos hecho alusión en alguna entrada. La vida les sonreía y había que aprovechar las oportunidades.

Pero al año, más o menos, empiezan los problemas. El apoyo de la compañía disminuye, hay movida con cambio de cantante, algunos miembros quieren tomar derroteros musicales distintos a los iniciales…, total que algunos abandonan la banda para integrarse en otras, y el resto, es decir Javier y Enrique, se transforman en Júpiter. 

Todo un clásico altamente recomendable, que si lo estáis descubriendo podéis escuchar enterito en youtube, que al cabo de más de 30 años se ha convertido en una pieza de culto muy buscada entre los que gustamos del rock de los ochenta.

Os dejo dos vídeos. La actuación de Goliath en Tocata en el que sonaron "Reaccionar" y "Drácula", y un curisos videoclip de transición entre Goliath (ver forillo del escenario), con Narci López de cantante, y Júpiter, en el que la banda toca el tema "Suspendió en amor", que bien podría haber sido un adelanto del nuevo trabajo que nunca fue, y que en el primer disco de Júpiter se tituló "Suspenso de amor".

Valga esta entrada como recuerdo a Javier Ponce, fallecido en el año 2003.

Buen finde. Sed felices.

 

Temas

Cara A:
1. Herencia maldita
2. La fuerza del Rock
3. Trampa mortal
4. Reaccionar
5. Dios del rock

Cara B:
6. Te encontraré
7. Evasión
8. Drácula
9. Música

 

 

Taddy Porter - Stay Golden (2013)

El próximo 23 de febrero se publicará el segundo álbum de la banda americana Taddy Porter, titulado “Stay Golden”. A través de su web conocemos la portada y “Fever”, su primer single con vídeo incluido, que os dejo aquí abajo, y a través de itunes el resto de los temas. Contundente rock setentero de calidad que seguro no os defraudará.

Recordemos que el cuarteto de Oklahoma está formado por el cantante y guitarrista Andy Brewer, el guitarrista Joe Selby, el bajista Kevin Jones y el batería Doug Jones. En junio de 2010 firmaron un impresionante álbum debut de título homónimo.

Stay Golden (tracklist):

1. Changes
2. The Gun
3. Fever
4. More, More
5. Emma Lee
6. Chemicals
7. We Can Do Anything
8. Evil
9. Walk Away
10. Stay Golden
11. You Can Count On Me

Triana – El Patio (1975 – Movieplay/Serie Gong)

Conocí a Triana en 1981 cuando el primo sevillano de un gran amigo llegó a vivir a nuestro barrio. De entre la música de su tierra que traía en la maleta, que seguro os imagináis, a mi me llegó al alma esa extraña mezcla de rock con las más puras esencias andaluzas que desprende el sonido y las letras del inmortal trío de artistas de Sevilla, curiosamente formados en Madrid. Digo “a mi” porqué el resto de colegas pasaron y lo entiendo, ya que este tipo de fusiones o te entran o no, y más en aquella pandilla de jevis adolescentes que flipábamos poniendo a un volumen brutal los discos y cintas de acedeceses, blacksabbats, judas, kisses, leños, asfaltos, etc. Nada que reprochar.

A lo largo de los años me he ido haciendo con la discografía de Triana, pero resulta curioso que aunque he pillando alguno de sus álbumes en cd, no me suena haberlos puesto nunca, y no he parado hasta conseguirlos en plástico, ya que a Triana hay que escucharlos en vinilo y acariciando esas increibles carpetas dobles, que incluso llegaron a reenombar, como es el caso, el verdadero título del disco.

De este mágico LP ¿qué decir? Me suelen gustar más el primer trabajo de todas las bandas que el resto ya que, en teoría, es en el que se echa el resto y más, el que está lleno de caracteres personales, el que marca el sendero a seguir y al público al que se quiere llegar. Y a Tele, Jesús y a Eduardo se les nota en “El Patio”. La propia banda lo quería pregonar y así lo hicieron en el interior de la carpeta del disco donde se puede leer: “Ya teníamos ganas de hacer un LP. Por fin hemos conseguido reunir una serie de ideas, unos cuantos amigos y lo hemos realizado. La buena gente que han contribuido son: Antonio Pérez, guitarra eléctrica. Manolo de la Rosa, guitarra de bajos. Y como había que hacer bien las cosas pedimos a Máximo Moreno que diseñara la portada. Lo grabamos en los Estudios Kiros de Madrid con Pepe Fernández, Juan Vinader, Pepe Loeches y Luis Calleja, como ingenieros de sonido”.

 

¡Qué tíos! Ese LP contiene: “Abre la puerta”, “Luminosa mañana” y “Recuerdos de una noche” en la cara A, y “Se de un lugar”, “Diálogo”, “En el lago” y “Todo es de color” en la B. Siete temas maravillosos donde se reúnen cientos de ideas y matices musicales ejecutados a su manera por sus creadores, que progresa, mezclando sentimientos acústicos y electrónicos, dándonos perfecta cuenta (nada de “sin darnos cuenta”), entre el rock y el flamenco (sin folklorismos). Siete letras o poemas de profundas palabras, salidas de la mano y de la mágica voz de Jesús de la Rosa, abiertas a infinitas lecturas e interpretaciones. Talento no les faltaba.

Una banda infinita, intemporal, viva. Un disco cojonudo, para degustar. Una obra de arte qué, cosas de la vida, pasó desapercibido en el momento de su lanzamiento, todo un fracaso comercial. El reconocimiento a este álbum le llegó en 1979 cuando Triana se consagró definitivamente con “Sombra y Luz”. Ese mismo año se vendieron todos los discos que quedaban de la primera edición de "El Patio", siendo reeditado en 1984 de la mano de Fonomusic.

 

Buen fide a tod@s, y en especial a @RockologiaTwit que me animó a hacer la entrada de esta joya. Sed felices.

 

 

 

 

 

 

 

 

Panzer – Toca Madera (1985 – Chapa)

“Toca madera”, tercer trabajo de Panzer, vino a significar el punto álgido de la carrera de esta banda madrileña.

Fue grabado y mezclado en octubre de 1984 en los Mediterráneo Studios de Ibiza por el ingeniero Denis Herman y Alfred Dubell como ayudante, realizando ambos un trabajo impecable. El proceso de grabación solo duró una semana por lo que el grupo tuvo que llevar muy currados y ensayados los temas, lo que se nota en el resultado. Los siete días en la isla dieron de sí ya que, aparte del trabajo en el estudio, les dio tiempo a hacer un concierto el cuartel de la Guardia Civil (no es coña), a tocar en Las Dalias donde grabaron en vivo algunas canciones, y a grabar un vídeo promocional, que por cierto no he encontrado. Me extraña mucho que no hicieran más actividades, como darse un chapuzón en sus cristalinas aguas.

El sonido de la banda fue evolucionando y endureciéndose hasta conseguir en los diez temas de este completísimo álbum un sonido metálico procedente de la guitarra afilada de Jesús “Suso” Díaz, una base musical sólida con Fernando Díaz-Valdés al bajo y Rafael Ramos a la batería, con unas letras crudas como la vida misma que suenan perfectas con la voz grave y cálida (y radiofónica) de Carlos Pina.

 

Producido por Chapa y con la colaboración especial de Mariskal Romero, la portada la ocupa la inolvidable fotografía realizada por Moya & Linos (Julio Moya) con la imagen de la “Abuela Ángeles” vestida con la chupa y el gorro de Carlos.

Álbum recomendadísimo, un clásico del metal nacional, donde se encuentra gran parte del mejor legado de la banda como “Toca madera” el irresistible himno que le da título, la épica “Dios del rock” –ambas tocadas en una actuación en Tocata-,  “Número negro” uno de mis preferidos o “Tu mismo” esa balada de aire melancólico que no debe faltar en un buen trabajo heavy.

Aún recuerdo que compre el disco unos años después que la musicassette, que como veis aún conservo, y el vendedor me dijo: “te llevas un buen disco chaval. Aquí no se hacen muchos como éste”, y tras el imprescindible regateo de unos cuantos durillos: “y a buen precio”. Asiento sus dos primeros comentarios, el tercero no tanto. Aunque hoy en día el precio que pagué sería ridículo para un disco de esta calidad, para mis menguadas arcas, en aquél momento, significó una pequeña fortuna. Sin ninguna duda, valió la pena la inversión.

Buen finde. Sed felices.

Temas

Cara A:
1. Toca Madera
 2. Arriba
 3. Número Negro
 4. Síndrome
 5. Tú mismo

Cara B:
 6. Dios del Rock
 7. Caña
 8. Danza de la Muerte
 9. Reina Callejera

10. Instrumental

Rosa Negra - Rosa Negra (1984 - Epic/CBS)

Volvemos a las producciones nacionales, con el primer disco de una de las bandas madrileñas que formó parte de la época dorada del heavy metal español, que tiene el añadido sentimental de ser uno de los primeros que regalé a mi chica.

Rolling Stones - Sticky Fingers (1971 - Rolling Stones Records)

 

Tras dos años de inactividad, en los que los rumores de separación del grupo se dispararon, apareció “Sticky Fingers”, desde mi punto de vista el álbum esencial y de consolidación de los Rolling Stones. Aunque continuista con el sonido creado en “Let It Bleed”, los Stones añadieron como parte fundamental del mismo la generalización de los riff de guitarra de Richard y de las referencias oscuras en sus letras. El sonido y la actitud que se había alcanzado en este vinilo está en la sección de “como debe ser y sonar una banda de rock moderno” de cualquier manual de rock que se precie, de 1971 en adelante claro. También fue el álbum en el que Mick Taylor estuvo presente desde el principio, el primero en publicarse al amparo del nuevo sello propiedad de la banda: “Rolling Stones Records”, el primero en el que aparecía el logo más famoso y universal del rock obra de John Pasche, entre otros innumerables detalles y curiosidades, parte de los cuales hoy os quiero comentar.

Hace unas semanas, varios amigos de twitter capitaneados por el Wise @frailas, dueño y señor de Zeppelin Rock Sabbath, donde se publicaron los resultados, nos devanábamos los sesos para elegir nuestras cinco carátulas preferidas de la historia del rock. Yo lo tuve claro, la primera no podía ser otra que la carpeta de “Sticky Fingers”.

Para empezar, la doble carpeta fue realizada a partir de un diseño de Andy Warhol. La portada muestra la entrepierna de un ceñido pantalón vaquero al que se le colocó una cremallera real que se podía bajar. La imagen insinúa el abultado paquete del tipo que los lleva puesto, al que tras bajar la cremallera y mirar dentro (dentro del interior de la carpeta) se podía llegar hasta sus calzoncillos y por ende a su paquete. Acojonante, nunca mejor dicho. Como es de esperar, la contraportada muestra el trasero del modelo enfundado en el ceñido jean.

La leyenda dice que fue el propio Mick Jagger quién posó, aunque otra lo atribuye a Joe Dallesandro, uno de los modelo-actores fetiche de Warhol. No obstante, hay más nombres en las diferentes versiones que se consulten sobre este tema.

El detalle de la cremallera produjo algunas quejas ya que podía rayar el vinilo (yo no lo creo si no se aplasta, aunque sí que es verdad que daña la carpeta interior), cuestión que se superó bajando la cremallera a la mitad haciéndola coincidir así con el centro del disco.

Tan genial diseño fue censurada en España y sustituido por una carpeta simple, encargada a John Pasche (el diseñador del logo), en cuya portada aparece una fotografía de Phil Jude alusiva al título literal del disco en castellano: “Dedos Pegajosos”. En la imagen tres dedos de mujer salen de una lata que acaba de ser abierta en la que hay un líquido pringoso (melaza). Símil erróneo a todas luces ya que el título original del disco alude a la masturbación. En la contraportada aparece una fotografía coloreada de la banda realizada por Warhol, que en la versión original forma parte de una de las caras de la funda de papel donde se guarda el disco y en la que aparecen también el logo y los créditos. Por cierto, en la esquina superior derecha de la hoja que acompaña la edición española, que por lo menos también contiene el logo de la banda, aparece una curiosa advertencia del productor Jimmy Miller que no aparece en la edición norteamericana que es la que poseemos, y que en resumen viene a decir que si no escuchas bien el disco sube el volumen, curioso.

Y no sólo la portada fue la única mutilación en nuestro país de esta obra de arte. También lo fue el tema “Sister Morphine (Hermana Morfina)”. La polémica letra de Marianne Faithfull, ex novia de Jagger, narra la agonía de un hombre hospitalizado por un accidente de coche (presumiblemente a causa de una sobredosis) que reclama su dosis de morfina para aliviar el dolor. Al respecto hay que comentar que esta misma canción, pero grabada por la propia Marianne, fue también censurada unos meses antes Reino Unido, incomprensiblemente no así el tema de los Stones. En el vinilo de la edición española, esta canción fue sustituida por una versión de “Let It Rock” de Chuck Berry, grabada en directo en 13 de marzo en Leeds, que iba en la cara B de la edición norteamericana del primer single de promoción del disco con “Brown Sugar” en la cara A. Al ser un tema en directo y para superar la estructura del disco, a diferencia de este tema grabado en estudio, se suprimieron los treinta primeros segundos del tema en el que se escucha el típico sonido ambiente en directo. Así, la tercera pista de la cara B del vinilo aparece en blanco (con surcos) y en la etiqueta del disco un tercer tema denominado “…” con una duración de 30 segundos. Alucinante.

Todo ello ha convertido a esta edición en una pieza única, ya que no fue censurado en ningún otro país, objetivo de coleccionistas nacionales como internacionales. Al respecto os recomiendo la lectura del libro “Veneno en dosis camufladas. La censura en los discos de pop-rock durante el franquismo” al que ya le dedicamos una entrada en esta casa.

Y como uno tiene alma, instinto e inquietud coleccionista, de objetos y cosas normales y de otras no tanto, no podía falta en nuestra colección otra pieza aunque menos cotizada que las anteriores. Se trata de una segunda edición española del año 1979 realizada por Emi-Odeon. Se presenta en una carpeta simple con imágenes, impresas en una calidad pésima, de portada y contraportada iguales que el original sin censurar, pero sin la cremallera verdadera, en la que se vuelve a recoge el censurado “Sister Morphine”.

Buen finde. Sed felices.

Temas

Cara A:
1. «Brown Sugar»
2. «Sway»
3. «Wild Horses»
4. «Can't You Hear Me Knocking»
5. «You Gotta Move»

Cara B:
6. «Bitch»
7. «I Got the Blues»
8. «Sister Morphine» (En 1ª edición España: Let It Rock – 2: 32)
9. «Dead Flowers»
10. «Moonlight Mile»